Image : Mary Heilmann, New York, 2020. Photo: Brigitte Lacombe
Mary Heilmann, dont les abstractions ondoyantes aux couleurs de l’arc-en-ciel ont apporté au paysage de la peinture d’après-guerre un sentiment expansif de joie et de présence humaine, est morte le 14 août dans un hôpital de Riverhead, dans l’État de New York. Elle avait 86 ans. Son atelier a indiqué que l’artiste était morte des suites de complications liées à une chute survenue la semaine précédente.
Travaillant principalement à l’acrylique, Heilmann a développé des toiles marquées par des bandes qui se diffusent, des grilles irrégulières et des formes décalées aux contours nets. Ses peintures associaient un ordre géométrique apparent aux traces visibles de leur réalisation : elle commençait souvent par une première couche gestuelle avant de masquer et de peindre une seconde surface, plus structurée. Les œuvres qui en résultaient pouvaient évoquer des océans, des autoroutes, la musique ou d’autres références personnelles et populaires, tout en restant fermement ancrées dans l’abstraction.
La pratique de Heilmann dépassait le cadre de la peinture. Elle a commencé par la sculpture monumentale, notamment la céramique, avant de travailler le bois, la fibre de verre et le polystyrène expansé. Elle a également réalisé des pièces murales en céramique et des chaises sculpturales aux couleurs vives. Ces chaises n’étaient pas conçues uniquement comme des œuvres d’art, mais aussi comme des objets utilisables, invitant les visiteurs à s’asseoir et à regarder les peintures qui les entouraient. Son travail a été façonné par la culture du surf et les mouvements en faveur de la liberté d’expression de l’environnement californien dans lequel elle a grandi, ainsi que par son intérêt pour la vie collective et l’expérience quotidienne.
Née Mary Anne Heilmann le 3 janvier 1940 à San Francisco, elle a grandi dans la baie de San Francisco, puis près de Los Angeles. Elle a étudié à l’Université de Californie à Santa Barbara, où un cours de poterie l’a amenée à s’intéresser à la céramique, et a obtenu un master en beaux-arts à l’Université de Californie à Berkeley, sous la direction du céramiste Peter Voulkos. Heilmann s’est installée à New York en 1968, d’abord attirée par la scène de la sculpture expérimentale de la ville et par le travail de Donald Judd. Elle s’est tournée vers la peinture à un moment où ce médium était largement considéré comme épuisé, mais a rapidement élaboré une approche singulière qui résistait au caractère impersonnel associé à la fois au minimalisme et à la production mécanique.
Sa reconnaissance précoce s’est notamment traduite par sa participation à la Whitney Annual Exhibition de 1972. L’attention des institutions s’est élargie plus tard au cours de sa carrière, avec des expositions à l’Orange County Museum of Art de Newport Beach en 2007, au Kunstmuseum Bonn en 2013, au Whitney Museum of American Art de New York en 2015 et à la Whitechapel Gallery de Londres en 2016. Heilmann a rejoint Hauser & Wirth en 1997 et la galerie l’a représentée jusqu’à sa mort. Parallèlement à son travail en atelier, elle a enseigné la céramique à Stony Brook University et a enseigné pendant deux décennies à la School of Visual Arts de New York.
Au Dia Beacon, dans le nord de l’État de New York, la série « Starry Night » de Heilmann a été présentée dans le cadre d’un accrochage de longue durée de 2023 à 2025. Une installation conçue pour le site et plusieurs de ses chaises ont également été présentées au Whitney au début de 2026. Ses œuvres sont conservées dans des institutions telles que le Hammer Museum de Los Angeles, le Museum of Modern Art de New York, la National Gallery of Art de Washington, DC, et le Museum Ludwig de Cologne. Heilmann a reçu une bourse de l’Anonymous Was a Woman Foundation ainsi que des subventions du National Endowment for the Arts et de la Guggenheim Foundation.
